Инструментальная музыка XVII вв. Полифония и орган. Клавирная музыка.

Инструментальная музыка в течение долгих столетий лишь сопровождала пение, фактически вплоть до XVII в. Собственно, в давние времена имевшаяся инструментальная литература представляла не более чем переложение вокальных сочинений (так и писалось в нотах: для голосов или для инструментов, дело было только в диапазоне).

Именно в XVII в. в этой области намечается заметный перелом. Если представить процесс схематично, то можно наблюдать параллельное развитие полифонической и гомофонной (нового стиля) музыки:

Полифония (букв. греч. «многоголосие») – музыкальный склад, характеризуемый одновременным звучанием, развитием и взаимодействием нескольких равноправных голосов (мелодических линий, мелодий в широком смысле). Следует различать основные виды многоголосного склада – гомофонный и полифонический. В гомофонном складе есть ведущий голос (мелодия), остальные же имеют подчиненное значение (сопровождение, аккомпанемент). В полифоническом же складе нет главных и подчиненных, мелодических и аккомпанирующих голосов – каждый голос развивается самостоятельно.

Полифония в Европе: первые дошедшие памятники датируются X-XI вв., XIV-XV вв. – расцвет полифонического искусства.

Контрапункт (от лат. сочетания punctum contra punctum – нота против ноты) – искусство сочетания нескольких мелодий в совместное согласованное звучание. Имитация (подражание) – изложение в каждом голосе (со сдвигом во времени, точно или с незначительными изменениями) одной и той же мелодии.

Отсюда – непрерывность (!) мелодического движения, редкость каденций или пауз, одновременных для всех голосов. Остановка одного голоса, как правило, не задерживает движения других. По этой причине изредка встречающиеся каденции звучат особенно рельефно.

Долгое время развитие многоголосия протекало почти исключительно в вокальной сфере. Отсюда - понятие «голоса» в значении мелодической линии, перешедшее в инструментальную музыку. Отсюда понятия «бас», «тенор», «альт» и «сопрано» применительно к уже не вокальным, а инструментальным полифоническим композициям.

Развитие инструментальной полифонии в первую очередь связано с развитием органной музыки.

Именно орган был тем инструментом, который стал сопровождать церковное пение – несмотря на первоначальное противодействие консерваторов, стремившихся запретить участие инструментов в богослужении (в православном богослужении, как известно, участие инструментов до сих пор не допускается!)

Постепенно орган усовершенствуется и становится самым технически оснащенным инструментом своего времени (регистры, мануалы, педаль). Если вначале в церкви органу отводилась скромная роль, то теперь на него (и на органиста, конечно) подчас возлагаются основные функции при отсутствии дорогостоящего хора.

Развитие органной музыки шло неодинаково в разных странах.

В Италии XVI в. был высшей точкой в этом развитии. Главой итальянской органной школы был Джироламо ФРЕСКОБАЛЬДИ (1583-1643), органист собора св. Петра в Риме. И. С. Бах внимательно изучал его сочинения.

Позднее же, со 2-й пол. 17 в. господство в Италии переходит к скрипке.

Во Франции 17 в. произошел интенсивный рост светской музыкальной культуры, в частности, клавесинизма. Это оттеснило французскую органную школу на второй план.

Именно в Германии органное искусство достигло небывалой силы и блеска – по-видимому, в связи с тем, что светское искусство церковниками не одобрялось, а «оперные позиции» захватили итальянцы. Орган же как церковный инструмент был в почете: органисту часто поручалось главное руководство музыкой во время богослужения.

В течение 17 в. (особенно во 2-й его половине) в других европейских странах органное искусство постепенно клонилось к упадку, в Германии же выдвигаются поколение за поколением замечательные мастера-органисты, вплоть до Баха.

Первоначальные германские органисты были в основном учениками венецианцев Андреа и Джованни Габриели. Некоторое время спустя многие музыканты с Севера также стремились побывать в Италии. Возвращаясь, они привносили в немецкую музыку итальянские традиции, которые, однако, сильно видоизменялись в условиях немецкой действительности.

Непосредственное влияние на развитие немецкой органной музыки оказал нидерландец Ян Питерзон Свелинк (1562-1621). У него учился основоположник немецкой органной музыки Самуэль Шейдт (1587-1654).

Среди немецких органистов 17 в. выделяются Пахельбель, Бём, Рейнкен, Букстехуде – непосредственные предшественники И. С. Баха.

В 17 в.наметились линии развития основных жанров: импровизационных (прелюдии, фантазии, токкаты) и имитационных (фуга). Но именно у И. С. Баха они откристаллизовались –

Бах отошел от смешанного типа композиций, распространенного у его предшественников (цикл – прелюдия и фуга).

Первые упоминания о клавире (т. е. клавишно-струнном инструменте) относятся к 14-16 вв. Долгое время клавиром называли любой инструмент с клавишами, даже орган.

К 16 в. самыми распространенными видами клавира становятся клавикорд и клавесин (иначе – чембало, харпсихорд, вёрджинал и др.)

-- конструкция клавикорда и клавесина (в т. ч. мануалы), разница в применении. Появление первых образцов фортепиано

В 16 в. клавесин становится универсальным инструментом, особенно в домашнем быту аристократов и богатых буржуа. Тогда же происходит становление национальных школ.

Вначале – непосредственная связь с народно-бытовой музыкой – особенно с распространенными тогда танцами.

Появление обобщенных танцевальных жанров, все дальше отходивших от народного прототипа – сарабанда, чакона, пассакалья и др. Возможность свободного варьирования.

Виднейшие представители: Джон Булл, Уильям Берд, Орландо Гиббонс, Жиль Фарнеби, Томас Томкинс.

В основном – вариации на популярные песни и танцы.

Появлением и развитием клавирная сюита обязана французской клавесинной школе, к которой перешло лидерство с середины 17 в.

Основоположником французской клавесинной школы считается Жак Шампион, прозванный Шамбоньер (1601-1670).

«Сюита» означает «последовательность», «набор». В данном случае имеется в виду последовательность пьес в жанре определенного танца. Обычно соблюдался порядок чередования спокойных и оживленных, медленных и быстрых танцев.

К середине 17 века костяк сюиты составляли 4 танца:

Как правило, вводились и другие танцы («интермеццо», т. е. «вставные»), уже по выбору композитора: гавот, менуэт, буре, паспье, полонез. Иногда вводилась пьеса под названием Air (ария), лирического характера. Обычно данные вставки делались между сарабандой и жигой.

Французская клавесинная музыка характеризуется грациозной мелодикой с обильным использованием украшений (мелизмов).

Стиль «рококо». Отражение вкусов аристократических салонов.

Вершины французское клавесинное творчество достигло в искусстве Франсуа Куперена-младшего («Великого», 1668-1733). Разработал сюиты, включающие многочисленные программные миниатюры: образы-портреты (в основном женские), жанровые картинки.

Многочисленные ученики и последователи Куперена не смогли существенно обновить сферу французской клавесинной музыки. Стиль Куперена оказал влияние на Баха и Генделя.